El arte escandaloso de GUSTAV KLIMT ft. El egiptólogo vintage

Klimt pintó El beso en un momento crítico de su carrera: en medio de un pánico artístico. Acababa de recibir críticas mordaces por sus pinturas del techo de la Universidad de Viena, Filosofía, Medicina y Jurisprudencia. Las pinturas fueron calificadas de pornográficas, y Klimt tenía reservas sobre su obra y su reputación corrompida. Además, acababa de abandonar la Secesión de Viena, a pesar de haber fundado y actuado como primer presidente del movimiento. Este grupo pretendía romper los lazos con la Academia de Bellas Artes y sus valores conservadores. Los secesionistas vieneses pintaron “lo que no debían pintar”, negándose a eliminar los elementos sexuales de sus obras. Exploraron el poder de un toque delicado, un abrazo, un beso, un momento de violencia o una escena erótica. Aunque Klimt abandonó el movimiento por desavenencias, siguió siendo su principal representante junto con Egon Schiele. Además, tras separarse de la Secesión, Klimt organizó la exposición Kunstschau, en la que presentó El beso por primera vez al público. El evento fue recibido con fuertes críticas y terminó en un desastre financiero. Sin embargo, a pesar de ello, la exposición inició el éxito astronómico de El beso. El gobierno vienés compró la obra incluso antes de que terminara la exposición, por considerarla de interés nacional.

Gustav Klimt – El árbol de la vida

A continuación, un recorrido por los artistas que han utilizado el color como medio para liberarse, difundir sus ideas, retratar la belleza de la naturaleza y establecer nuevos movimientos en el arte.

Un artista cuya paleta de colores marcó el éxito de su carrera es el pintor austriaco Gustav Klimt. Se cree que su periodo dorado se inspiró en los recuerdos visuales de su infancia y sus viajes por Europa. La ocupación del padre de Klimt como orfebre despertó su gusto por el elemento dorado en sus pinturas, y su exposición al arte bizantino en Italia decorado con detalles dorados dejó huella en su obra.

Durante el periodo en que Klimt terminó de pintar El beso en 1908, Viena era una ciudad bohemia llena de transformaciones artísticas. El gobierno de la ciudad y los establecimientos artísticos tradicionales se oponían al movimiento cultural de vanguardia que impulsaban los jóvenes artistas, entre ellos Klimt. Por ello, el uso del color dorado permitió a Klimt expresar temas como la intimidad, el sufrimiento humano y la sexualidad, que eran rechazados en aquella época, ocultando parcialmente sus figuras desnudas con oro. El artista consiguió yuxtaponer el color a la temática. El oro era reconocido por el público en general, y se asociaba a las pinturas medievales, los manuscritos y los primeros mosaicos. En el cuadro, el oro se utilizó para intensificar el choque de amor y violencia entre las dos figuras representadas. Así, el uso del oro por parte de Klimt podría considerarse una reapropiación consciente del color local.

Paleta de colores: El beso de Gustav Klimt

El beso de Gustav Klimt es uno de los cuadros más emblemáticos del periodo Art Nouveau. Klimt pintó este rico cuadro al óleo con añadidos de platino, plata y pan de oro en 1907, en el apogeo de su “Periodo Dorado”.  El beso representa a una pareja envuelta en un abrazo amoroso en el típico estilo Art Nouveau. Este cuadro no sólo es el más querido y célebre de Klimt, sino también uno de los más controvertidos.

El artista austriaco Gustav Klimt nació en Viena en 1862. Su padre, un grabador de oro, era un inmigrante de Bohemia, y su madre, con talento musical, nunca realizó su sueño. La familia pasaba apuros económicos. Desde muy joven, Klimt demostró su talento artístico. Siendo un adolescente, dejó la escuela y comenzó a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. Mientras estudiaba, Klimt aceptó de buen grado la formación clásica y conservadora, y centró su energía en la pintura arquitectónica. Mientras seguía en la escuela, el creciente talento de Klimt le valió varios encargos.

Pintores principiantes – Klimt: El beso

Wolfgang Laib recoge el polen de una gran variedad de flores y plantas. Luego esparce el polvo amarillo brillante para crear rectángulos y otras formas, y dependiendo del componente, las obras terminadas reciben nombres como “Polen de avellana” o “Polen de diente de león”. Sus poéticas obras, tan alejadas de la escena artística más actual, le valieron a Laib el “Praemium Imperiale” japonés, considerado el premio de arte más importante

Vincent van Gogh El color amarillo desempeña un papel crucial en los cuadros del impresionista holandés. Además de los mundialmente famosos girasoles, que se calcula que adornan la mitad de las tarjetas postales de arte que se venden, Van Gogh utilizó este tono de color específicamente para presentar su ciudad natal de adopción, Arlés: así, sus obras “La casa amarilla” y “Dormitorio en Arlés”, entre otras, están pintadas precisamente en esos tonos de rico “amarillo como la mantequilla”.

Andy Warhol creó toda una armada de motivos icónicos que llegaron a la cultura popular. Con su plátano, imprimió la pieza de fruta más famosa de la historia del arte, colocada en serie de acuerdo con su propio credo y, por ejemplo, adornando también la funda del disco del grupo neoyorquino “The Velvet Underground”: Hoy en día, los coleccionistas pagan fácilmente varios cientos de euros por un ejemplar, ni siquiera inmaculado, con la pegatina del plátano extraíble.